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Estás aquí:  Inicio >>  Cine/Video/Televisión >>  Cine en el Malba, noviembre de 2004
 
Cine en el Malba, noviembre de 2004
 

El Malba anunció el ciclo de cine que exhibirá en el mes de noviembre

PROGRAMACION NOVIEMBRE 2004

 

 

1.    Continúa

Retrospectiva Ingmar Bergman

Durante todo el mes

 

2.    Estreno

Saraband de Ingmar Bergman (Suecia, 2003)

A partir del jueves 11

 

3.    Retrospectiva - Alain Robbe-Grillet en la Argentina

Del jueves 4 al domingo 7

 

4.    Continúa

Film del mes XII: El amor (Primera parte)  de Alejandro Fadel, Martín Mauregui, Santiago Mitre, Juan Schnitman (Argentina, 2004).

Sábados y domingos a las 20:00

 

5.    Homenaje a Víctor Iturralde (1927-2004)

     Del jueves 4 al domingo 7

 

6.    Trasnoches

Óperas primas: Coppola – Scorsese – Lucas - Carpenter

Viernes y sábados a las 24:00

 

7.    Una ventana al cine mexicano

Del jueves 11 al domingo 14

 

8.    Rostros de Cine (una muestra de agradecimiento)

Sábado 20 y domingo 21

 

9.  Rescate del mes: Foxtrot de Arturo Ripstein (México / Gran Bretaña, 1976)

       Viernes 19 a las 22:00

 

10. Ciclo ADF – malba.cine

100 años, luz (un recorrido por la historia de la dirección de fotografía en el cine)

Sábado 27 a las 18:00

            

          14º encuentro

24 Hour Party People de Michael Winterbottom (Inglaterra, 2002). Con Steve Coogan, John Thomson, Nigel Pivaro.

  

11.  Festival Videopoesía 2004

  Domingo 28 a las 22:00

 

12.  Programación día a día

 

           


 

 

1.    Continúa

Retrospectiva Ingmar Bergman

Durante todo el mes

 

Durante noviembre continúa la muestra dedicada a Ingmar Bergman. Esta retrospectiva, realizada por malba.cine gracias a la colaboración entre Filmoteca Buenos Aires, Artkino Pictures, el Cineclub Núcleo y APROCINAIN, incluye títulos poco o nada vistos desde su estreno, como Música en la noche (rescatada en copia nueva por Malba gracias al aporte de Kodak y Cinecolor), Vergüenza, El huevo de la serpiente y El toque (adquiridas por Filmoteca Buenos Aires en el exterior).

 

 

Música en la noche (Musik i morker, 1947) c/Maj Zetterling, Birger Malmsten, Bengt Eklund, Gunnar Björnstrand. 87’. Copia nueva en 35 mm, gestionada por Malba gracias a la colaboración de Kodak y Cinecolor.

A causa de un episodio desafortunado, un joven músico queda ciego. Mientras todo su universo se derrumba, el amor de una joven humilde se le presenta como la única esperanza. El director considera a esta película una historia sencilla pero importante,  dado que fue su primer éxito popular.

 

Puerto (Hamnstad, 1948) c/Nine-Christine Jönsson, Bengt Eklund, Mimi Nelson, Erik Hell, Berta Hall. 100’.

Un suicidio que no consuma, el marinero que la salva y el pasado que la condena, son los elementos principales de este film con tintes de melodrama. El amor que se tienen no es más fuerte que la vergüenza, y enfrentar los prejuicios es tan difícil como intentar huir de sí mismos.

 

El demonio nos gobierna (Fängelse, 1948) c/Doris Svedlund, Birger Malmsten, Eva Henning, Hasse Ekman, Stig Olin. 78’.

Un maestro propone a un antiguo alumno, ahora director de cine, que haga una película sobre el infierno. El joven no lo toma en serio, seguro de que tal film es imposible de realizar. Sin embargo, a su alrededor, la vida es descripta como un lugar diabólico donde la muerte se presenta como una eventual salida.

 

La sed (Törst, 1949) c/Eva Henning, Birger Malmsten, Birgit Tengroth, Mimi Nelson, Hasse Ekman, Bengt Eklund. 83’.

Con artilugios menos explícitos que en El demonio nos gobierna, Bergman presenta una nueva visión infernal del mundo. Temas como el fracaso amoroso, el temor, los celos, el aborto y la esterilidad surgen en la oscuridad de los personajes. El director indaga también en las relaciones homosexuales pero la censura de su país hizo que un encuentro entre mujeres sea más críptico de lo que él deseaba.

 

Un verano con Mónica (Sommaren med Monika, 1952) c/Harriet Andersson, Lars Ekborg, John Harryson, Georg Skarstedt, Dagmar Ebbesen. 91’.

El agobio de la casa paterna y el mundo poco virtuoso que la rodea obligan a Mónica a desear una escapatoria. La comunicación primitiva se transforma en nuevas formas de cansancio y las salidas se resumen en un instante pasado y desconocido.

 

El séptimo sello (Det sjunde inseglet, 1956) c/Max von Sydow, Gunnar Björnstrand, Nils Poppe, Bibi Andersson, Bengt Ekerot. 96’. Copia nueva en 35 mm, gestionada por APROCINAIN, gracias al aporte de Kodak y Cinecolor.

Surgido inicialmente de la pieza en un acto Pintura sobre madera, el guión original fue rechazado alguna vez antes de convertirse en esta especie de road movie en la que el hombre inicia el paradójico viaje metafísico hacia su propio fin. Oponiendo la razón a la fe y sublimando su propio miedo a la muerte, el director asegura: “es una de las pocas películas que verdaderamente llevo cerca del corazón”.

 

Cuando huye el día (Smultronstallet, 1957) c/Victor Sjöstrom, Bibi Andersson, Ingrid Thulin, Gunnar Björnstrand. 91’.

Isak Borg debe viajar para recibir un premio honorífico por sus cincuenta años de profesión. Un sueño particular lo decide repentinamente a conducir su automóvil en lugar de ir en avión como tenía previsto. Egocéntrico y distante de todo su entorno, inicia una aventura que lo enfrenta a su pasado, a sus afectos y a un futuro que se acorta cada vez más.

 

Tres almas desnudas (Nara livet, 1957) c/Ingrid Thulin, Eva Dahlbeck, Bibi Andersson, Erland Josephson. 84’.

El despojamiento material es aparente y engañoso: oculta la profundidad con la que el film se introduce en el tema de la maternidad. Tres vidas diferentes se cruzan en un relato de austeridad formal pero de gran crudeza en el que Bergman indaga en el misterio de la vida, en la pasividad del hombre ante un destino que lo excede, y en el dolor silencioso ante la aceptación de lo innombrable.

 

La fuente de la doncella (Junfrukällan, 1959) c/Max von Sydow, Birgitta Valberg, Gunnel Lindblom. 89’.

Igual que en El séptimo sello, la Edad Media es el escenario maniqueo para hablar ahora del dolor ante la pérdida de un hijo, la venganza y la redención. Inspirada en una balada anónima del siglo XIV y sin estilizar las escenas brutales, oscila entre la impotencia y el perdón, entre la virtud y la inocencia, en una atmósfera de plena religiosidad. Además de obtener un Oscar, el film aumentó la popularidad y el prestigio de Bergman.

 

El mago (Ansiktet, 1959) c/Max von Sydow, Ingrid Thulin, Gunnar Björnstrand, Naima Wifstrand, Bengt Ekerot. 100’.

Una compañía de actores ambulantes es detenida por la policía mientras recorre la Suecia de mediados del siglo XIX. Los poderes del hipnotizador que los encabeza son puestos a prueba por escépticos personajes que esperan burlarse de él. El ilusionista tendrá que demostrar ser un verdadero portador de magia y hacer conocer a sus acusadores la fuerza de lo irracional.

 

El ojo del diablo (Djavulens oga, 1960) c/Jarl Kulle, Bibi Andersson, Stig Järrel, Nils Poppe, Gertrud Fridh, Axel Düberg. 87’.

La castidad de una joven se convierte en un desafío para Satanás, quien, atareado y lleno de preocupaciones, elige a Don Juan para que lo represente. Después de tres siglos de inactividad, Don Juan debe seducir a la muchacha y, por qué no, a todo su entorno. El humor, poco usual en Bergman, es un condimento esencial en esta película que roza el juego filosófico y la exploración teatral. El director demuestra pasión y ductilidad en la comedia mientras aborda temas como la castidad, la sexualidad y la familia.

 

Detrás de un vidrio oscuro (Sasom i en spegel, 1961) c/Harriet Andersson, Gunnar Björnstrand, Max von Sydow, Lars Passgard. 89’.

Una joven salida de un centro psiquiátrico cree tener citas con Dios en el cuarto de arriba de su casa. Un marido con el que no se entiende sexualmente, un padre más ligado a su profesión que a sus vínculos afectivos, y un hermano reprimido por no conocer el verdadero deseo, son los actores de esta puesta en escena de inspiración autobiográfica.

 

Luz de invierno (Nattvardsgästerna, 1962) c/Gunnar Björnstrand, Ingrid Thulin, Max von Sydow, Gunnel Lindblom. 81’.

El film atraviesa dos líneas paralelas, sin resignar ninguna. Por un lado, con el amor enfermo de una mujer por un pastor, explora el drama de la convivencia. Por el otro, el pastor no puede corresponder a ese sentimiento estéril mientras lo desgarran dos pérdidas terribles: la muerte de su esposa y el abandono del Dios de su fe. 

 

El silencio (Tystnaden, 1963) c/Ingrid Thulin, Gunnel Lindblom, Jörgen Lindström, Haakan Jahnberg, Birger Malmsten. 96’.

Si hay algo concreto en la profundidad semántica del film, es la idea de la propia desintegración; un lugar y lenguaje extraños no fuerzan ningún acercamiento y la distancia es tanto mayor cuanto más penetrante es la soledad. Varias escenas son recordadas y no sólo por vehiculizar la incomunicación: la relación entre las hermanas se mueve en una delgada línea entre el resentimiento y el deseo, y la relación madre-hijo se torna más de una vez incómoda para el espectador.

 

 

 

 

 

Persona (1965) c/Bibi Andersson, Liv Ullmann, Margaretha Krook, Gunnar Björnstrand, Jörgen Lindström. 85’.

Una actriz queda sorpresivamente muda después de una representación. Se interna en una clínica para reponerse y allí conoce a una enfermera que exterioriza todo lo que ella no puede. En una suerte de vampirización, las dos mujeres transforman un juego de oposiciones en la cercanía más absoluta.

 

Vergüenza (Skammen, 1967) c/Liv Ullmann, Max von Sydow, Sigge Fürst, Ingvar Kjellson. 103’.

Una pareja de músicos se descubre inmersa en una contienda bélica que los devora poco a poco. El tópico del artista frente a la sociedad se mueve en el ominoso terreno de la asimilación de la violencia. Un silencio opresivo empuja a la degradación moral mientras el aislamiento se convierte en una redefinición del mal. La violencia colectiva e individual se identifican con las dos partes de la película: una primera parte sobre la guerra y una segunda parte sobre sus efectos.

 

El toque (Beröringen / The touch, Suecia / EUA, 1971) c/Bibi Andersson, Elliot Gould, Max von Sydow, Elsa Ebbesen. 112’.

La monótona vida matrimonial es la excusa para el triángulo amoroso. Una vida sin sobresaltos deviene en un deseo en apariencia inexplicable y un amante moviliza instintos, al menos, vitales. Las expectativas metafísicas de otros films se transforman aquí en interrogantes sobre la pareja que el film no responde sino con un claro lenguaje metafórico.

 

Escenas de la vida conyugal (Scener ur ett äktenskap, 1974) c/Liv Ullmann, Erland Josephson, Bibi Andersson, Jan Malmsjö. 155’.

Mientras otros se desgarran a su alrededor, una aparente felicidad parece proteger al matrimonio de Johan y Marianne. Sin embargo, esa imagen ilusoria está fabricada con los restos de un amor que no es suficiente para mantenerlos unidos. La desesperación sigue al engaño mientras la soledad deviene en perdón.

 

El huevo de la serpiente (Das schlangenei / The Serpent´s Egg, Alemania Federal / EUA, 1977) c/David Carradine, Liv Ullmann, Gert Fröbe, Heinz Bennent. 120’.

La acción tiene lugar en Alemania, poco antes del ascenso de Hitler. Abel Rosenberg, un artista de circo judío, debe sobrevivir, entre otras cosas, a la muerte de su hermano en una Berlín en plena decadencia. La ciudad prehitlerista no es sólo un marco para Abel sino la abstracción que incorpora enemigos cada vez menos identificables. Con la idea del voyeur en mente, Bergman construye un film donde todos pueden ser observados y donde la paranoia y la culpa obligan a los personajes a desear su castigo.

 

De la vida de las marionetas (Aus dem Leben des Marionetten, Alemania Federal / Suecia, 1980) c/Robert Atzorn, Christine Buchegger, Martin Benrath, Rita Russek. 104’.

El asesinato de una prostituta pone en marcha la investigación.  Aunque el caso no necesita un culpable, sí espera una explicación. El asesino es un hombre que ha soñado con matar a su esposa. La comunicación es apenas posible donde los cuerpos hablan más que todo lenguaje articulado. La infidelidad, la sexualidad, el desamor y la envidia son formas aparentes de un desgarramiento real que encuentra sólo salidas ilusorias.


 

 

2. Estreno: Saraband, de Ingmar Bergman (Suecia, 2003)

 

A partir del 11 de noviembre, malba.cine exhibirá, en calidad de estreno Saraband, el último film escrito y dirigido por Ingmar Bergman. La película fue realizada en digital y Bergman se negó a aceptar su transcripción a 35 mm, por lo cual será exhibida en su formato original.

 

De pronto descubrí que estaba esperando un niño otra vez”, declaró el realizador. “Igual que Sara en la Biblia, yo estaba, para mi sorpresa, embarazado a una edad avanzada. Al principio eso me hizo sentir bastante enfermo, pero luego resultó a la vez divertido y sorprendente sentir el deseo de regresar. Lo cierto es que el deseo volvió y reservé tres meses para mi nuevo embarazo, para concentrarme en escribir.

El film fue realizado entre septiembre y diciembre de 2002 y editado durante la primera mitad de 2003. Hay una conexión con otro film de Bergman, Escenas de la vida conyugal (1973), ya que reaparecen sus protagonistas Johan (Erland Josephson) y Marianne (Liv Ullmann), pero no se trata de una secuela. “Los conozco tan bien que sentí posible fantasear sobre el destino de ambos.

Saraband transcurre treinta años después. Marianne vuelve a buscar a Johan, quien se ha mudado a la casa de su familia en el campo. Henrik, hijo de Johan de un matrimonio anterior, y Karin, la hija de Henrik, viven con él. Ambos son cellistas y padecen la ausencia de Anna, mujer de Henrik, fallecida poco tiempo antes. “Anna representa los sentimientos perdidos”, dice Bergman. “Fue una persona de ésas que hacen más fácil la vida (tales personas existen) pero ahora no está y reina el caos. Cuando llega Marianne se encuentra en medio de un conflicto.

El título Saraband evoca la hermosa suite para cello de Bach. En realidad, una zarabanda es una danza para parejas. Se la describe como muy erótica y fue prohibida en la España del siglo XVI. Luego pasó a ser una de las cuatro danzas establecidas en las suites instrumentales barrocas, primero como el último movimiento y después como el tercero. El film sigue la estructura de la zarabanda: siempre hay dos personas que se encuentran. Tiene diez escenas y un epílogo.

Saraband es una contemporánea historia de amor de Ingmar Bergman, tan compleja y perdurable como todos sus films: un amor que se niega a morir.

(Declaraciones de Ingmar Bergman tomadas de Sight & Sound, Londres, septiembre de 2002.)

 

 

Ficha técnica

Dirección y libreto: Ingmar Bergman / Imágenes: Stefan Eriksson, Jesper Holmström, Per-Olof Lantto, Sofi Stridh, Raymond Wemmenlöv / Diseño del film: Göran Wassberg / Edición: Sylvia Ingemarsson / Productora: Sveriges Television. Con Liv Ullmann (Marianne), Erland Josephson (Johan), Börje Ahlstedt (Henrik), Julia Dufvenius (Karin), Gunnel Fred. Duración original: 120’. Proyección digital. 

 

 

 

3. Retrospectiva - Alain Robbe-Grillet en Argentina

Del jueves 4 al domingo 7

Entrevista con Robbe-Grillet: jueves 4, a las 20:00

Charla abierta con el público: domingo 7 a las 18:00

 

Hace cincuenta años, el escritor francés Alain Robbe-Grillet (n. 1922) inauguró una forma de ficción que fue conocida como el Nouveau Roman y que básicamente intentaba una descripción objetiva y necesariamente parcial de la realidad, aceptando su naturaleza compleja, negando ciertos recursos de la interpretación poética y cuestionando los límites de las estructuras tradicionales del relato. En 1960 trasladó esas inquietudes al cine, escribiendo para el director Alain Resnais el clásico Hace un año en Marienbad, y luego inició una filmografía propia que se destaca por su constante actitud de búsqueda e incondicional libertad expresiva. Aunque tanto el Nouveau Roman como Marienbad pertenecen a un período propicio para la experimentación y la ruptura, su influencia todavía repercute en el relato contemporáneo.

 

En noviembre, malba.cine tendrá el privilegio de recibir a Alain Robbe-Grillet, quien dará una charla abierta el domingo 7 a las 18:00. Además de Marienbad, se exhibirán tres de sus películas más importantes, nunca estrenadas comercialmente en Argentina: La inmortal (1963), El hombre que miente (1968) y El edén y después (1970).

 

“El Nouveau Roman fue, sobre todo, una puesta en cuestión del relato. En mis películas, en mis novelas y en el Noveau Roman en general, la propia narración pone en cuestión lo que se narra. La narración no está allí para expresar un relato sino para ponerlo en cuestión, en tanto relato. Y eso, hoy en día, es algo que se rechaza. Las historias que se cuentan deben ser sólidas y lineales, y cuando no lo son se dice que ‘no se entienden’. Todos mis libros y películas surgen de una lucha interior con la escritura. Hay en ellos polos narrativos que luchan entre sí. Ahora, esto es insoportable para el gran público.

Pretendíamos generar una reflexión sobre la naturaleza de la realidad. Digámoslo de este modo: en la realidad, todo es complejo; las historias pasionales, los crímenes, la ciudad... En la realidad, la estructura de las ciudades es muy compleja. En cambio, en el relato “realista” tradicional todo está siempre muy claro. Puede que al principio haya algo incomprensible, una intriga, como en las películas de Hitchcock. Pero al final todo se aclara. Mientras que para mí, en los grandes films, cuanto más avanza el relato, menos claro es todo. Daría como ejemplo La conversación (The Conversation, 1974), que me parece el mejor film de Coppola: a medida que avanza, uno entiende menos. Y ni siquiera el protagonista entiende nada.

Creo que una de las funciones del arte es precisamente poner en cuestión la realidad porque ésta es compleja, ambigua, inestable, contradictoria. Es curioso: la ciencia admite la contradicción, la psicología admite la contradicción, desde Hegel la filosofía también admite la contradicción. Pero la literatura y el cine no la admiten. Es necesario un mundo de certezas, un mundo fabricado para sentir seguridad. Y eso ha cambiado mucho desde los 50 y 60. El trastorno de la guerra mundial creó, incluso en el público, una impresión de incertidumbre y búsqueda; la realidad había perdido su sentido y por lo tanto el sentido quedaba abierto. Uno podía buscarlo en cualquier parte. Mientras que ahora se ha cerrado completamente en torno al relato “realista”. Para mí el “realismo” es lo contrario a lo real, porque en ese “realismo” todo tiene sentido y ese sentido es claro. En lo real el sentido se mueve sin cesar, está lleno de agujeros, de ausencias, de contradicciones.

(...) Marienbad es un film muy raro porque verdaderamente tiene dos autores. Podría decir que Resnais psicologizó un poco el guión, pero en general respetó todo de un modo notable. Él quería hacer un film sobre la memoria y yo quería hacer un film sobre la persuasión. La idea de la memoria es una cuestión totalmente imaginaria: todo sucede en el presente, ahora, aquí. Un extranjero llega, vaga por ese hotel y se detiene en una mujer que le gusta. Inventa entonces una historia completamente clásica: “Yo la he visto hace un año en Marienbad”. Ella dice que nunca estuvo en Marienbad. Eso es todo. Un hombre conoce a una mujer pero se desencuentran.

A veces me preguntan si Marienbad es acerca de un hombre que quiere persuadir a una mujer para que lo siga. Yo respondo que no, que es acerca de un escritor que quiere persuadir a un director para hacer un film de vanguardia”.

 

(Extractos de una entrevista realizada por Fernando Martín Peña a Alain Robbe-Grillet: para Film, Buenos Aires, diciembre / enero de 1994-1995)

 

 

Fichas técnicas

 

Hace un año en Marienbad (L’anée dernière a Marienbad, Francia / Italia, 1961) de Alain Resnais, sobre libreto de Alain Robbe-Grillet, c/Delphine Seyrig, Giorgio Albertazzi, Sacha Pitoëff, Françoise Bertin. 94’.

 

La inmortal (L’immortelle, Francia / Italia / Turquía, 1963) de Alain Robbe-Grillet, c/Françoise Brion, Jacques Doniol-Valcroze, Guido Celano, Sezer Sezin. Aprox. 90’.

 

El hombre que miente (L’homme qui ment, Francia / Checoslovaquia, 1968) de Alain Robbe-Grillet, c/Jean-Louis Trintignant, Dominique Prado, Sylvie Bréal, Zuzana Kocúriková, Josef Kroner. 95’.

 

El edén y después (L’eden et après, Francia / Checoslovaquia, 1970) de Alain Robbe-Grillet, c/Catherine Jourdan, Pierre Zimmer, Richard Leduc, Lorraine Rainer. 93’.

 

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